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조지아 오키프

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목차

1. 개요

조지아 오키프는 1887년 위스콘신주에서 태어나 1986년 사망한 미국의 화가이다. 그는 자연물을 단순화한 그림과 뉴욕 마천루, 뉴멕시코 사막 풍경 등을 주제로 한 작품으로 유명하다. 특히 꽃을 확대한 그림과 동물의 뼈를 묘사한 작품으로 잘 알려져 있으며, 미국에서 추상화를 시작한 초기 화가 중 한 명으로 평가받는다. 오키프는 1920년대부터 독립적인 정신과 여성 역할 모델로서 널리 알려졌으며, 1977년 대통령 자유 훈장을 수여받고, 1993년 국립 여성 명예의 전당에 헌액되었다.

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조지아 오키프 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1932년 조지아 오키프, 알프레드 스티글리츠 사진
1932년 오키프 (알프레드 스티글리츠 촬영)
본명조지아 토토 오키프
출생일1887년 11월 15일
출생지선프레리, 위스콘신주, 미국
사망일1986년 3월 6일 (98세)
사망지샌타페이, 뉴멕시코, 미국
국적미국
학력
교육시카고 미술 학교
컬럼비아 컬리지
컬럼비아 대학교 사범대학
버지니아 대학교
뉴욕 아트 스튜던츠 리그
경력
활동 분야시각 예술: 회화, 조각, 사진
사조미국 모더니즘, 정밀주의
배우자알프레드 스티글리츠 (1924년 결혼, 1946년 사별)
가족아이다 오키프 (자매)
수상국가 예술 훈장 (1985년)
자유의 메달 (1977년)
에드워드 맥도웰 메달 (1972년)
대표 작품
작품《사슴 해골과 페데르날》
《흰 꽃 1》
기타 정보
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2. 생애

조지아 오키프는 1887년 11월 15일 위스콘신주 선 프레리에서 태어났다. 시카고 미술 연구소, 컬럼비아 대학교 등에서 공부했고, 1912년부터 1918년까지 텍사스주, 버지니아주, 사우스캐롤라이나주에서 강의했다. 텍사스 주에서 미국 남서부에 대한 흥미를 갖게 되었고, 사막 풍경은 그녀의 작품에 큰 영향을 주었다. 오키프는 미국 서남부의 황량한 풍경, 뉴욕의 마천루, 거대하게 확대된 꽃, 해골 등 다양한 주제를 섭렵하면서, 그녀만의 양식을 구축했다.

1916년 앨프리드 스티글리츠는 뉴욕에 있는 자신의 실험적 미술관 "291"에서 오키프의 작품을 처음 전시했다. 이후 스티글리츠는 뉴욕의 다른 미술관에서도 그녀의 작품을 전시했다. 둘은 1924년에 결혼했고, 오키프는 1929년부터 뉴멕시코주에서 많은 시간을 보냈다.

1918년 독감 대유행 당시 병에 걸리기도 했다.[18]

말년에 오키프는 시력을 잃기 시작했지만, 도예 등에 관련된 일을 했다.

1986년 3월 6일, 98세의 나이로 샌타페이에서 사망했다.

2. 1. 초기 생애와 교육 (1887-1916)

조지아 오키프는 1887년 11월 15일 위스콘신주 선프레이리의 농가에서 태어났다.[14][15][16][17] 그녀의 부모 프랜시스 칼릭스터스 오키프와 이다 (토토) 오키프는 낙농업을 했다. 아버지 프랜시스 칼릭스터스 오키프는 아일랜드계였다. 어머니 이다 (토토) 오키프의 아버지인 조지 빅터 토토는 오키프의 이름의 유래가 되었으며, 1848년 미국으로 온 헝가리 출신 백작이었다.[14][18]

오키프는 일곱 명의 자녀 중 둘째였다.[14] 선프레이리의 타운 홀 학교에 다녔다.[19] 10세가 되자 화가가 되기로 결심했다.[20] 자매인 이다와 아니타와 함께[21] 지역 수채화가인 사라 만으로부터 미술 수업을 받았다. 1901년과 1902년 사이에 기숙사 생활을 하며 위스콘신주 매디슨에 있는 성심 아카데미에서 고등학교를 다녔다. 1902년 말, 오키프 가족은 위스콘신에서 버지니아주 윌리엄스버그의 피콕 힐이라는 친밀한 이웃으로 이사했는데, 오키프의 아버지는 버지니아 반도 건축 거래에서 이 블록에 대한 수요를 예상하여 러스티드 콘크리트 블록을 만드는 사업을 시작했지만 수요는 실제로 발생하지 않았다.[22] 1903년 가족과 버지니아에서 합류하기 전까지 매디슨 중앙 고등학교에 다니며 위스콘신에 머물렀다.[23] 버지니아주 채텀 에피스코팔 연구소(현재 채텀 홀)에서 기숙사 생활을 하면서 고등학교를 졸업했으며, 1905년에 졸업했다. 채텀에서 카파 델타 동아리의 회원이었다.[14][19]

1915년 버지니아 대학교에서 알론 비먼트의 조교로 있던 조지아 오키프


1905년부터 1906년까지 시카고 미술 학교에 등록하여 존 반더풀에게서 배웠으며, 반에서 최고 등급을 받았다.[14][20] 장티푸스에 걸려 학업을 1년 중단해야 했다.[14] 1907년, 뉴욕 시에 있는 아트 스튜던트 리그에 다녔으며, 윌리엄 메리트 체이스, 케니언 콕스, F. 루이스 모라에게서 공부했다.[14] 1908년, 유화 작품인 ''구리 냄비와 죽은 토끼''로 리그의 윌리엄 메리트 체이스 정물화 상을 수상했다. 상으로 뉴욕 레이크 조지에 있는 리그의 야외 여름 학교에 참석할 수 있는 장학금을 받았다.[14] 뉴욕 시에서 미래의 남편인 사진작가 앨프리드 스티글리츠가 공동 소유한 291과 같은 갤러리를 방문했다. 이 갤러리는 미국과 유럽의 전위 예술가와 사진 작가의 작품을 홍보했다.[14]

1908년, 학업을 재정적으로 지원할 수 없다는 것을 알게 되었다. 아버지는 파산했고, 어머니는 결핵으로 심각하게 앓고 있었다.[14] 미술 훈련의 기반이 되었던 모방 전통에 기반한 화가로서의 경력에 관심이 없었다.[20] 시카고에서 상업 예술가로 일자리를 얻었고, 1910년까지 그곳에서 일했다. 홍역에서 회복하기 위해 버지니아로 돌아갔고, 가족과 함께 샬러츠빌, 버지니아로 이사했다.[26][14] 4년 동안 그림을 그리지 않았으며, 테레빈유 냄새가 그녀를 아프게 했다고 말했다.[20] 1911년에 미술을 가르치기 시작했다. 맡았던 직책 중 하나는 버지니아에 있는 이전 학교인 채텀 에피스코팔 연구소였다.[14][27]

1912년 앨런 베먼트에게 버지니아 대학교에서 여름 미술 수업을 들었는데, 그는 컬럼비아 대학교 사범대학의 교수였다. 베먼트 밑에서 베먼트의 동료인 아서 웨슬리 다우의 혁신적인 아이디어에 대해 배웠다. 다우의 접근 방식은 일본 미술의 디자인과 구도 원칙의 영향을 받았다. 추상적인 구성을 실험하기 시작했고, 현실주의에서 벗어난 개인적인 스타일을 개발했다.[14][20] 1912년부터 1914년까지 텍사스 아마릴로의 공립학교에서 미술을 가르쳤으며, 여름에는 베먼트의 조교로 활동했다.[14] 버지니아 대학교에서 2번의 여름 수업을 더 들었다.[28] 1914년 봄에 컬럼비아 대학교 사범대학에서 다우의 수업을 들었는데, 그는 미술 제작 과정에 대한 사고방식에 더 큰 영향을 미쳤다.[29] 다우의 원칙에 기초한 버지니아 대학교에서의 연구는 예술가로서 오키프의 발전에 중추적인 역할을 했다. 예술가로서의 탐구와 성장을 통해 미국 모더니즘 운동을 확립하는 데 기여했다.

1915년 말, 사우스캐롤라이나 컬럼비아에 있는 컬럼비아 칼리지에서 가르쳤는데, 그곳에서 개인적인 감각을 바탕으로 한 일련의 매우 혁신적인 목탄 추상화[20]를 완성했다.[27] 1916년 초, 컬럼비아 대학교 사범대학에 있는 뉴욕에 있었다. 목탄 드로잉을 컬럼비아 대학교의 친구이자 전 동급생이었던 아나 폴리처에게 보냈고, 아나 폴리처는 1916년 초에 이 드로잉들을 앨프레드 스티글리츠가 운영하는 291 갤러리로 가져갔다.[30] 스티글리츠는 그것들을 "291에 들어온 것 중 가장 순수하고, 훌륭하고, 진실한 것"이라고 평가했고, 전시하고 싶다고 말했다. 그해 4월, 스티글리츠는 291 갤러리에서 그녀의 드로잉 10점을 전시했다.[14][20]

1916년 초 컬럼비아에서 추가적인 수업을 듣고, 여름에 베먼트를 가르친 후,[14] 1916년 가을부터 텍사스 캐니언에 있는 웨스트 텍사스 A&M 대학교의 미술학과장이 되었다.[31]

2. 2. 초기 추상화 (1915-1918)

앨런 베먼트에게서 버지니아 대학교의 여름 미술 수업을 들었던 1912년에, 오키프는 아서 웨슬리 다우의 혁신적인 아이디어를 접했다. 다우의 접근 방식은 일본 미술의 디자인과 구도 원칙의 영향을 받은 것이었다. 이를 통해 오키프는 추상적인 구성을 실험하며, 현실주의에서 벗어난 개인적인 스타일을 개발하기 시작했다.[14][20] 1912년부터 1914년까지 텍사스 아마릴로의 공립학교에서 미술을 가르쳤고, 여름에는 베먼트의 조교로 활동했다.[14] 이후 버지니아 대학교에서 두 번의 여름 수업을 더 들었고,[28] 1914년 봄에는 컬럼비아 대학교 사범대학에서 다우의 수업을 들으며 미술 제작 과정에 대한 그녀의 사고방식에 더 큰 영향을 받았다.[29] 다우의 원칙에 기초한 버지니아 대학교에서의 연구는 오키프가 예술가로서 발전하는 데 중추적인 역할을 했다. 이러한 예술적 탐구와 성장을 통해 그녀는 미국 모더니즘 운동을 확립하는 데 기여했다.

1915년 말, 사우스캐롤라이나 컬럼비아에 있는 컬럼비아 칼리지에서 가르치면서, 오키프는 개인적인 감각을 바탕으로 한 일련의 매우 혁신적인 목탄 추상화를 완성했다.[20][27] 1916년 초, 이 목탄 드로잉을 친구이자 전 동급생이었던 아나 폴리처에게 보냈고, 폴리처는 이 드로잉들을 앨프레드 스티글리츠가 운영하는 291 갤러리로 가져갔다.[30] 스티글리츠는 그것들을 "291에 들어온 것 중 가장 순수하고, 훌륭하고, 진실한 것"이라고 평가하며 전시 의사를 밝혔다. 그해 4월, 스티글리츠는 291 갤러리에서 오키프의 드로잉 10점을 전시했다.[14][20]

1916년 초 컬럼비아에서 추가적인 수업을 듣고 여름에 베먼트를 가르친 후,[14] 오키프는 1916년 가을부터 텍사스 캐니언에 있는 웨스트 텍사스 A&M 대학교의 미술학과장이 되었다.[31]

2. 3. 뉴욕 시기 (1918-1930년대)

1918년, 오키프는 앨프리드 스티글리츠가 재정적 지원,[34] 거주지 및 그림을 그릴 장소를 제공하겠다고 제안하면서 뉴욕으로 이주했다. 그들은 가까운 개인적 관계를 발전시켰고, 이후 1924년에 결혼했으며, 스티글리츠는 그녀의 작품을 홍보했다.[14] 스티글리츠는 또한 아마추어 여성 예술가와 연관된 수채화 사용을 자제하도록 했다.[34] 미술사학자 찰스 엘드레지에 따르면, "이 부부는 1920년대 내내 뉴욕의 활기찬 예술계에서 두드러진 위치를 누렸다".[35]

오키프는 찰스 데무스, 아서 도브, 마스든 하틀리, 존 마린과 사진작가 폴 스트랜드, 에드워드 스타이켄을 포함하여 스티글리츠의 예술가 집단에 속한 많은 초기 미국 모더니스트들을 알게 되었다. 스트랜드와 스티글리츠의 사진은 오키프의 작품에 영감을 주었다. 1917년에 291 갤러리를 폐쇄한 스티글리츠는 자신의 사진 작업에 더 많은 시간을 할애할 수 있게 되었고, 자연 형태, 구름 연구(''동등물''로 알려진 연작), 그리고 오키프의 초상 사진 연작을 제작했다.[35]

오키프는 잎, 꽃, 바위와 같은 자연물을 단순화하여 그림을 그리기 시작했다.[37] 프레시셔니즘에서 영감을 받은 1922년에 완성된 ''푸른 사과''는 단순하고 의미있는 삶에 대한 그녀의 생각을 묘사했다.[38] 오키프는 그 해에 "선택, 제거, 강조를 통해서만 사물의 진정한 의미에 도달할 수 있다"고 말했다.[38] ''푸른색과 녹색의 음악''은 대담하고 미묘한 색상을 사용하여 시각 예술을 통해 음악에 대한 오키프의 감정을 표현했다.[39]

1920년대 중반까지 오키프는 돋보기 렌즈를 통해 본 듯한 꽃의 대규모 묘사를 그렸는데, 예를 들어 ''동양 양귀비''[42][43]와 여러 ''붉은 칸나'' 그림이 있었다.[44] 그녀는 1924년에 첫 대규모 꽃 그림인 ''페튜니아, 2번''을 그렸고 1925년에 처음 전시되었다.[14] 물체를 확대하여 묘사함으로써 경외감과 정서적 강렬함을 창출했다.[37]

1925년 셸턴 호텔의 30층 아파트로 이사한 후,[45] 뉴욕 마천루와 스카이라인을 그린 일련의 그림을 그리기 시작했다.[46] 그녀의 가장 주목할 만한 작품 중 하나는 정밀주의 양식으로 건물을 묘사하는 그녀의 능력을 보여주는 ''라디에이터 빌딩-밤, 뉴욕''이다.[47][48]

''라디에이터 빌딩-밤, 뉴욕'', 1927, 캔버스에 유채, 필립스 컬렉션, 워싱턴 D.C.


다른 예로는 ''달이 있는 뉴욕 거리''(1925년),[49] ''선스팟이 있는 셸턴, N.Y.'' (1926년),[50], ''시티 나이트''(1926년)가 있다.[14] 그녀는 1928년에 셸턴 호텔 30층에서 바라본 풍경을 그린 도시 풍경화 ''셸턴 호텔 30층에서 본 이스트 리버''를 그렸으며, 이는 이스트 리버와 퀸스의 연기를 내뿜는 공장들을 담고 있다.[46] 그 다음 해에 그녀는 마지막 뉴욕시 스카이라인과 마천루 그림을 그리고 뉴멕시코로 여행을 떠났고, 뉴멕시코는 그녀의 작품에 영감을 주었다.[47]

브루클린 박물관은 1927년에 그녀의 작품 회고전을 열었다.[30] 1928년, 스티글리츠는 그녀의 칼라 릴리 그림 6점이 프랑스의 익명의 구매자에게 25000USD에 팔렸다고 발표했지만, 이 거래가 스티글리츠가 보고한 방식대로 이루어졌다는 증거는 없다.[51][52] 언론의 관심으로 인해 오키프의 그림은 그 이후부터 더 높은 가격에 팔렸다.[53][52]

2. 4. 뉴멕시코 시기 (1930년대-1986)

1929년, 오키프는 친구인 레베카 (벡) 스트랜드와 함께 처음으로 산타페를 여행했고,[54] 메이블 도지 루한과 함께 타오스에 머물며 그녀에게 화실을 제공받았다.[57] 그녀의 방에서 타오스 산맥과 페니텐테스라고도 알려진 ''에르마노스 데 라 프라테르니다드 피아도사 데 누에스트로 파드레 헤수스 나자레노''의 ''모라다''(집회소)가 뚜렷하게 보였다.[55] 이후 1929년부터 거의 매년 뉴멕시코를 방문하여 한 번에 여러 달 동안 머물렀고, 매 겨울마다 뉴욕으로 돌아가 슈티글리츠 갤러리에서 자신의 작품을 전시했다.[56] 오키프는 여러 차례 짐수레 여행을 갔고, 그해 여름 그 지역의 험준한 산과 사막을 탐험했으며, 나중에 근처의 D. H. 로렌스 목장을 방문하여 현재 코네티컷주 하트퍼드의 워즈워스 아테네움이 소유하고 있는 유명 유화인 ''로렌스 나무''를 완성했다.[58] 오키프는 근처 역사적인 랑초스 데 타오스의 산 프란시스코 데 아시스 선교 교회를 방문하여 그림을 그렸다. 그녀는 많은 예술가들과 마찬가지로 교회를 주제로 여러 그림을 그렸으며, 하늘을 배경으로 한 교회의 조각 그림은 독특한 관점에서 포착되었다.[59][60]

뉴멕시코에서 그녀는 사막 바닥에서 돌과 뼈를 수집했고, 그것들과 이 지역의 독특한 건축 및 풍경 형태를 작품의 주제로 삼았다.[37] 외톨이로 알려진 오키프는 1929년에 구입하여 운전을 배운 포드 모델 A를 타고 그녀가 사랑하는 땅을 자주 탐험했다. 그녀는 종종 고스트 랜치와 북부 뉴멕시코에 대한 애정을 이야기했는데, 예를 들어 1943년에는 "그렇게 아름답고, 손길이 닿지 않은 외로운 곳, 내가 '머나먼 곳'이라고 부르는 훌륭한 부분입니다. 전에 그림을 그렸던 곳이고... 지금도 다시 해야 합니다."라고 설명했다.[60] 오키프는 신경 쇠약으로 인해 1932년 말부터 1930년대 중반까지 작품 활동을 하지 않았다.[60][34] 그녀는 인기 있는 예술가였으며, 작품이 뉴욕 및 다른 곳에서 전시되는 동안 의뢰를 받았다.[62]

1933년과 1934년, 오키프는 버뮤다에서 휴식을 취하고 1934년 뉴멕시코로 돌아왔다.[60] 1934년 8월, 그녀는 아비큐 북쪽에 있는 고스트 랜치로 이사했다. 1940년, 그녀는 랜치 부지에 있는 집으로 이사했다. 랜치를 둘러싼 다채로운 절벽은 그녀의 가장 유명한 풍경화 중 일부에 영감을 주었다.[60] 1934년에서 1936년 사이에 그녀는 뉴멕시코 사막에서 영감을 얻은 일련의 풍경화를 완성했는데, 여기에는 종종 동물의 두개골이 눈에 띄게 묘사되어 있다. 여기에는 ''접시꽃이 있는 숫양 머리''(1935)와 ''페데르날이 있는 사슴 머리''(1936), 그리고 ''여름날''(1936)이 있다.[61] 1936년, 그녀는 가장 잘 알려진 그림 중 하나인 ''여름날''을 완성했다. 그것은 선명한 야생화와 함께 사슴 두개골이 있는 사막 장면을 묘사한다. ''접시꽃이 있는 숫양 머리''와 유사하게, 그것은 수평선 위로 떠오르는 두개골을 묘사했다.[62][63]

1938년, 광고 대행사 N. W. 에이어 앤 선은 오키프에게 하와이 파인애플 회사의 광고에 사용할 그림 두 점을 의뢰했다.[64][65][66] 하와이 파인애플 회사의 광고를 위해 하와이 그림을 제작한 다른 예술가로는 로이드 섹스턴 주니어, 밀라드 시츠, 야수오 쿠니요시, 이 사무 노구치, 미구엘 코바루비아스 등이 있다.[67] 이 제안은 오키프의 인생에서 매우 중요한 시기에 이루어졌다. 그녀는 51세였고, 그녀의 경력은 정체된 것처럼 보였다.(비평가들은 그녀가 뉴멕시코에 집중하는 것을 한정적이라고 비판했고, 그녀의 사막 이미지를 "일종의 대량 생산"이라고 칭했다).[68]

그녀는 1939년 2월 8일 SS ''럴린''을 타고 호놀룰루에 도착하여 오아후, 마우이, 카우아이, 하와이 섬에서 9주를 보냈다. 가장 생산적이고 생생한 시기는 마우이에서였는데, 그곳에서 그녀는 자유롭게 탐험하고 그림을 그릴 수 있었다.[68][69] 그녀는 꽃, 풍경, 전통 하와이 어구 등을 그렸다. 오키프는 하와이 여행을 바탕으로 20점의 감각적이고 푸르른 그림을 완성했지만, 하와이 파인애플 회사가 그녀의 뉴욕 스튜디오로 식물을 보낼 때까지 요청받은 파인애플은 그리지 않았다.[70]

조지아 오키프의 "하얀 장소"인 아비키유 근처의 Plaza Blanca 절벽과 황무지 사진


1945년, 오키프는 아비키유에 있는 버려진 아시엔다를 두 번째 집으로 구입하여 집과 작업실로 개조했다.[71] 그녀는 1949년 뉴멕시코로 영구 이주하여 고스트 랜치와 작업실로 사용한 아비키유 집에서 시간을 보냈다.[37][106]

1940년대에 만난 사진작가 토드 웹은 1961년 뉴멕시코로 이주했다. 그는 종종 그녀의 사진을 찍었고, 다른 많은 중요한 미국 사진작가들도 오키프를 "외톨이, 엄격한 인물, 자수성가한 사람"으로 일관되게 묘사했다.[72] 오키프는 "까다로운 성격"으로 알려졌지만, 웹의 사진은 그녀를 편안한 우정을 암시하는 "조용함과 평온함"으로 묘사하며 오키프의 새로운 면모를 드러냈다.[73]

1940년대에 오키프는 고스트 랜치 집에서 서쪽으로 약 241.40km 떨어진 "블랙 플레이스"라고 불리는 곳을 배경으로 광범위한 연작을 제작했다.[121] 오키프는 블랙 플레이스가 "회색 언덕과 발치에 하얀 모래가 있는 코끼리 1마일"과 비슷하다고 말했다.[60] 그녀는 아비키유 집 근처에 위치한 흰색 암석 지형인 "화이트 플레이스"를 소재로 그림을 그렸다.[74] 1946년, 그녀는 아비키유 집의 건축 형태, 즉 안뜰 벽과 문을 작품의 주제로 삼기 시작했다.[75] 이 시기에 오키프는 사진 작업에도 진지하게 임했으며, 안뜰과 문 그림과 인상적인 조화를 이루었다.[76] 또 다른 독특한 그림으로는 1958년작 ''달로 가는 사다리''가 있다.[77] 1960년대 중반에 오키프는 비행기 창문에서 본 풍경에서 영감을 받아 일련의 구름 그림인 ''구름 위의 하늘''을 제작했다.[37] 우스터 미술관은 1960년에 그녀의 작품 회고전을 열었고,[30] 10년 후 휘트니 미술관은 ''조지아 오키프 회고전''을 개최했다.[106]

1946년부터 오키프는 회화 보존가 캐롤라인 켁과 함께 그녀의 그림이 가진 시각적 인상을 보존하는 작업을 했다. 오키프는 색상이 마모될 수 있더라도 오염 물질을 제거하는 것을 선호했다. 켁은 오키프에게 그림을 쉽게 청소하기 위해 아크릴 바니시를 적용하기 시작하도록 권장했다.[79]

1940년대에 오키프는 두 차례의 개인 회고전을 열었는데, 첫 번째는 시카고 미술관에서 열렸다(1943년).[37] 그녀의 두 번째 회고전은 1946년에 열렸으며, 그녀는 여성 예술가 중 최초로 현대 미술관 (MoMA)에서 회고전을 연 예술가가 되었다.[41] 휘트니 미술관은 1940년대 중반에 그녀의 작품 첫 번째 목록을 만드는 노력을 시작했다.[62]

2. 5. 후기 생애와 죽음 (1972-1986)

오키프는 황반 변성으로 1972년 무렵 시력의 많은 부분을 잃어, 주변 시야만 남게 되었다.[83] 1972년 이후로는 도움 없이 유화 작업을 중단했다.[80] 1973년, 오키프는 존 브루스 "후안" 해밀턴을 함께 거주하는 조수이자 간병인으로 고용했다. 해밀턴은 도예가였다.[81] 해밀턴은 오키프에게 점토 작업하는 법을 가르치고, 악화되는 시력에도 불구하고 다시 그림을 그리도록 격려했으며, 그녀의 자서전을 쓰는 것을 도왔다. 그는 13년 동안 그녀를 위해 일했다.[37] 1976년 바이킹 프레스(Viking Press)에서 출판된 작가의 자서전, 『조지아 오키프』에는 표지에 『여름날』(1936)이 실렸다. 이 책은 베스트셀러가 되었다.[106] 1970년대 동안, 그녀는 일련의 수채화 작품을 만들었다.[82] 그녀는 1984년까지 연필과 숯으로 계속 작업했다.[83]

오키프는 90대 후반에 들어서면서 점점 더 쇠약해졌다. 그녀는 1984년 샌타페이로 이사했고, 1986년 3월 6일 98세의 나이로 사망했다.[84] 그녀의 시신은 화장되었고, 그녀가 원했던 대로 고스트 랜치 주변의 땅에 유해가 뿌려졌다.[85] 오키프가 사망한 후, 그녀의 가족은 1980년대에 추가된 유언 보충서로 인해 그녀의 6500만달러 재산 대부분이 해밀턴에게 남겨진 유언에 이의를 제기했다. 이 사건은 결국 1987년 7월에 법정 밖에서 합의되었다.[85][86] 이 사건은 상속 계획의 유명한 선례가 되었다.[87][88]

3. 작품 세계

오키프는 잎, 꽃, 바위와 같은 자연물을 단순화하여 그림을 그리기 시작했다.[37] 프레시셔니즘에서 영감을 받은 1922년에 완성된 ''푸른 사과''는 단순하고 의미있는 삶에 대한 그녀의 생각을 묘사했다.[38] 오키프는 그 해에 "선택, 제거, 강조를 통해서만 사물의 진정한 의미에 도달할 수 있다"고 말했다.[38] ''푸른색과 녹색의 음악''은 대담하고 미묘한 색상을 사용하여 시각 예술을 통해 음악에 대한 오키프의 감정을 표현했다.[39]

1922년, 언론인 폴 로젠펠드는 그녀의 색상과 형태 사용을 여성 신체의 은유로 인용하면서 "매우 여성적인 본질이 그녀의 그림에 스며들어 있다"고 언급했다.[40] 이 기사는 또한 그녀의 그림을 성적인 방식으로 묘사했다.[40] 꽃 묘사로 가장 유명한 오키프는 약 200점의 꽃 그림을 그렸는데,[41] 1920년대 중반까지는 돋보기 렌즈를 통해 본 듯한 꽃의 대규모 묘사, 예를 들어 ''동양 양귀비''[42][43]와 여러 ''붉은 칸나'' 그림이 있었다.[44] 그녀는 1924년에 첫 대규모 꽃 그림인 ''페튜니아, 2번''을 그렸고 1925년에 처음 전시되었다.[14] 물체를 확대하여 묘사함으로써 경외감과 정서적 강렬함을 창출했다.[37]

1925년 셸턴 호텔의 30층 아파트로 이사한 후, 오키프는 뉴욕 마천루와 스카이라인을 그린 일련의 그림을 그리기 시작했다.[46] 그녀의 가장 주목할 만한 작품 중 하나는 정밀주의 양식으로 건물을 묘사하는 그녀의 능력을 보여주는 ''라디에이터 빌딩-밤, 뉴욕''이다.[47][48] 다른 예로는 ''달이 있는 뉴욕 거리''(1925),[49] ''선스팟이 있는 셸턴, N.Y.'' (1926),[50], ''시티 나이트''(1926)가 있다.[14] 1928년에 그린 도시 풍경화 ''셸턴 호텔 30층에서 본 이스트 리버''는 이스트 리버와 퀸스의 연기를 내뿜는 공장들을 담고 있다.[46]

1934년에서 1936년 사이에는 뉴멕시코 사막에서 영감을 얻은, 동물의 두개골이 눈에 띄게 묘사된 일련의 풍경화를 완성했다. 여기에는 ''접시꽃이 있는 숫양 머리''(1935), ''페데르날이 있는 사슴 머리''(1936), ''여름날''(1936)이 있다.[61] 1936년에 완성한 ''여름날''은 선명한 야생화와 함께 사슴 두개골이 있는 사막 장면을 묘사하는데, ''접시꽃이 있는 숫양 머리''와 유사하게 수평선 위로 떠오르는 두개골을 묘사했다.[62][63]

1940년대에 오키프는 고스트 랜치 집에서 서쪽으로 150km 떨어진 "블랙 플레이스"라고 불리는 곳을 배경으로 광범위한 연작을 제작했다.[121] 오키프는 블랙 플레이스가 "회색 언덕과 발치에 하얀 모래가 있는 코끼리 1마일"과 비슷하다고 말했다.[60] 그녀는 아비키유 집 근처에 위치한 흰색 암석 지형인 "화이트 플레이스"를 소재로 그림을 그렸다.[74] 1946년, 그녀는 아비키유 집의 건축 형태, 즉 안뜰 벽과 문을 작품의 주제로 삼기 시작했다.[75]

1960년대 중반에 오키프는 비행기 창문에서 본 풍경에서 영감을 받아 일련의 구름 그림인 ''구름 위의 하늘''을 제작했다.[37]

오키프는 70년이 넘는 긴 화력 동안 거의 풍경, 꽃, 그리고 동물의 뼈만을 주제로 그려 나갔다. 특히 화면 가득 확대한 꽃 그림과 소의 두개골을 아이콘처럼 위엄을 담아 그린 작품군이 잘 알려져 있다. 또한 미국에서 (세계적으로 봐도) 추상화를 그리기 시작한 초기 화가 중 한 명이며, 정밀파 화가로서 생애에 걸쳐 추상에 대한 관심을 이어갔다.

4. 유산 및 영향

1938년, 오키프는 윌리엄 앤 메리 대학교에서 명예 "미술 박사" 학위를 받았다.[90] 이후 미국 예술 문학 아카데미 회원으로 선출되었고,[30] 1966년에는 미국 예술 과학 아카데미의 회원이 되었다.[91] 1971년 브린 모어 칼리지에서 M. 캐리 토마스 상을 받았으며, 2년 후 하버드 대학교에서 명예 학위를 받았다.[30]

1977년, 대통령 제럴드 포드는 오키프에게 미국 민간인에게 수여되는 최고 훈장인 대통령 자유 훈장을 수여했다.[92] 1985년에는 로널드 레이건 대통령으로부터 국립 예술 훈장을 받았다.[106] 1993년에는 국립 여성 명예의 전당에 헌액되었다.[93]

오키프는 1920년대부터 극적이고 혁신적인 예술 작품뿐만 아니라 독립적인 정신과 여성 역할 모델로도 유명한 인물이었다.[85] 낸시와 줄스 헬러는 "오키프의 가장 놀라운 점은 그녀의 초기 작품의 대담함과 독창성이었다"라고 평가했다. 당시 유럽에서도 추상화를 탐구하는 예술가는 거의 없었다. 그녀의 작품은 초현실주의와 정밀주의와 같은 다양한 모더니즘 운동의 요소를 보여줄 수 있지만, 독자적인 스타일을 가지고 있다.[124]

오키프의 연꽃 그림은 여성 생식기 이미지 및 상징과 더 깊은 관련이 있을 수 있다는 평가를 받는다. 이집트 신화에서 연꽃은 자궁의 상징이며, 인도 신화에서는 여성 생식기를 직접적으로 상징한다.[94] 페미니스트 미술사학자 린다 노클린은 1971년에 발표된 영향력 있는 에세이 "왜 위대한 여성 예술가는 없는가?"의 저자이기도 하며, ''검은 붓꽃 III''(1926)을 여성 생식기에 대한 형태학적 은유로 해석했다.[95][96]

하지만, 미술상 새뮤얼 쿠츠는 오키프의 작품(그리고 다른 예술가들의 작품)에서의 성적 표현을 예술적으로 문제 삼았다.[97] 쿠츠는 "성의 주장은 예술가의 재능을 방해할 뿐이다. 왜냐하면 그것은 반항, 불만의 행위이며, 이러한 특성에 대한 의식은 화가의 자연스러운 주장을 저해하기 때문이다"라고 말했다.[97]

오키프는 자신의 작품에 대한 성적인 해석에 맞서 50년 동안 여성 생식기와 자신의 작품 사이에는 아무런 관련이 없다고 주장했다.[97] 비판에 반박하며 "사람들이 내 그림에서 에로틱한 상징을 읽는다면, 그들은 사실 자기 자신의 문제에 대해 이야기하는 것이다."라고 말했다.[98] 그녀는 다른 예술가들이 자신의 작품을 비판하는 것을 심리 투사로 돌렸다. 오키프는 혁명적 페미니스트로 여겨졌지만, 이러한 개념을 거부하며 "여성성은 무관하며" "예술 창작이나 성취와는 아무런 관련이 없다"라고 말했다.[99]

위스콘신주 매디슨에 있는 마르케트 중학교는 조지아 오키프 중학교로 이름이 변경되었다.[122] 2020년, 잉글랜드 켄트주 그레이브센드에 있는 팀버우드 아카데미에서 학생들이 새로운 학급 이름을 선택했을때 3학년 학급의 우승 이름 중 하나는 조지아 오키프였다.[123]

뉴멕시코주 산타페에 있는 조지아 오키프 미술관에 전시된 그림 재료


그녀의 재산 상당 부분은 비영리 단체인 조지아 오키프 재단으로 이전되었다. 조지아 오키프 미술관은 1997년 산타페에 개관했다.[85] 이 자산에는 그녀의 방대한 작품, 사진, 기록 자료, 그리고 그녀의 아비큐 집, 도서관, 부동산이 포함되었다. 아비큐에 있는 조지아 오키프의 집과 스튜디오는 1998년에 국가 사적지로 지정되었으며, 현재 조지아 오키프 미술관 소유이다.[71] 2006년 1월에는 궁류의 화석 종이 "고스트 랜치에서 그녀가 그린 황무지의 수많은 그림과 ''코엘로피시스'' 채석장에 대한 그녀의 관심"을 기리기 위해 ''에피지아 오키피애''("오키프의 유령")로 명명되었다.[125] 2016년 11월, 조지아 오키프 미술관은 3년 여름 동안 그녀가 제작한 수채화를 사용하여 전시회를 열어 샬럿츠빌에서의 그녀의 시간을 기렸다. 이 전시회는 버지니아 대학교의 오키프, 1912-1914로 명명되었다.[28]

오키프는 70년이 넘는 긴 화력 동안 거의 풍경, 꽃, 그리고 동물의 뼈만을 주제로 그려 나갔다. 특히 오키프의 이름을 일약 유명하게 만든 화면 가득 확대한 꽃 그림 작품군과, 소의 두개골을 아이콘처럼 위엄을 담아 그린 작품군이 잘 알려져 있다. 또한 미국에서 (세계적으로 봐도) 추상화를 그리기 시작한 초기 화가 중 한 명이며, 기본적으로 구상적 모티프에 고집하면서도, 때때로 추상화도 다루며, 정밀파 화가로서 생애에 걸쳐 추상에 대한 관심을 이어갔다.

5. 주요 작품

오키프는 잎, 꽃, 바위와 같은 자연물을 단순화하여 그림을 그리기 시작했다.[37] 1922년에 완성된 ''푸른 사과''는 프레시셔니즘에서 영감을 받아 단순하고 의미있는 삶에 대한 그녀의 생각을 묘사했다.[38] 오키프는 그 해에 "선택, 제거, 강조를 통해서만 사물의 진정한 의미에 도달할 수 있다"고 말했다.[38] ''푸른색과 녹색의 음악''은 대담하고 미묘한 색상을 사용하여 시각 예술을 통해 음악에 대한 오키프의 감정을 표현했다.[39]

오키프는 약 200점의 꽃 그림을 그렸는데,[41] 1920년대 중반까지는 돋보기 렌즈를 통해 본 듯한 꽃의 대규모 묘사, 예를 들어 ''동양 양귀비''[42][43]와 여러 ''붉은 칸나'' 그림이 있었다.[44] 그녀는 1924년에 첫 대규모 꽃 그림인 ''페튜니아, 2번''을 그렸고 1925년에 처음 전시되었다.[14] 물체를 확대하여 묘사함으로써 경외감과 정서적 강렬함을 창출했다.[37]

오키프는 1925년 셸턴 호텔의 30층 아파트로 이사한 후,[45] 뉴욕 마천루와 스카이라인을 그린 일련의 그림을 그리기 시작했다.[46] 그녀의 가장 주목할 만한 작품 중 하나는 정밀주의 양식으로 건물을 묘사하는 그녀의 능력을 보여주는 ''라디에이터 빌딩-밤, 뉴욕''이다.[47][48] 다른 예로는 ''달이 있는 뉴욕 거리''(1925),[49] ''선스팟이 있는 셸턴, N.Y.'' (1926),[50], ''시티 나이트''(1926)가 있다.[14] 그녀는 1928년에 셸턴 호텔 30층에서 바라본 풍경을 그린 도시 풍경화 ''셸턴 호텔 30층에서 본 이스트 리버''를 그렸으며, 이는 이스트 리버와 퀸스의 연기를 내뿜는 공장들을 담고 있다.[46]

1934년에서 1936년 사이에 그녀는 뉴멕시코 사막에서 영감을 얻은 일련의 풍경화를 완성했는데, 여기에는 종종 동물의 두개골이 눈에 띄게 묘사되어 있다. 여기에는 ''접시꽃이 있는 숫양 머리''(1935)와 ''페데르날이 있는 사슴 머리''(1936), 그리고 ''여름날''(1936)이 있다.[61] 1936년, 그녀는 가장 잘 알려진 그림 중 하나인 ''여름날''을 완성했다. 그것은 선명한 야생화와 함께 사슴 두개골이 있는 사막 장면을 묘사한다. ''접시꽃이 있는 숫양 머리''와 유사하게, 그것은 수평선 위로 떠오르는 두개골을 묘사했다.[62][63]

오키프는 아비키유 집 근처에 위치한 흰색 암석 지형인 "화이트 플레이스"를 소재로 그림을 그렸다.[74] 1946년, 그녀는 아비키유 집의 건축 형태, 즉 안뜰 벽과 문을 작품의 주제로 삼기 시작했다.[75]

1960년대 중반에 오키프는 비행기 창문에서 본 풍경에서 영감을 받아 일련의 구름 그림인 ''구름 위의 하늘''을 제작했다.[37]

오키프는 70년이 넘는 화력 동안 풍경, 꽃, 그리고 동물의 뼈를 주제로 그림을 그렸다. 특히 화면 가득 확대한 꽃 그림과, 소의 두개골을 아이콘처럼 위엄을 담아 그린 작품이 잘 알려져 있다.

6. 같이 보기


  • 프레시조니즘
  • 아이콘
  • 추상화
  • 윌리엄 메리트 체이스
  • 아서 웨슬리 다우
  • 아트 스튜던츠 리그 오브 뉴욕
  • 시카고 미술관 부속 미술 대학

7. 각주

wikitext


  • 제프리 호글리프, 《오키프: 어느 미국 신화의 탄생》(노나카 쿠니코 역, 헤이본샤〈20세기 메모리얼〉, 1994년)

참조

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